Et pour terminer cette semaine, voici un petit résumé des propos de la conférence consacrée à aux Quatre derniers Lieder de Richard Strauss que je donne ce matin à Bruxelles au Cercle Richard Wagner. Le sujet est particulièrement riche et se présente comme le testament d’un homme qui avait sans doute conscience d’être le dernier représentant de la longue lignée romantique des compositeurs allemands. Les inconditionnels de Wagner le nomment Richard III. Nous n’avons pas de peine à trouver qui est le premier, mais le deuxième ? Allez ne cherchez plus, il n’y en a pas car après Richard Wagner, il ne peut pas y avoir de deuxième, on passe directement au troisième, Richard Strauss. C’est évidemment une boutade qui fait sourire et plus personne aujourd’hui ne peut sérieusement considérer la hiérarchie des « Richard » de la sorte. Ce serait non seulement parfaitement anachronique, mais aussi, et surtout, une rétrograde discrimination.
La longévité de Richard Strauss (1864-1949) lui confère non seulement le statut de dernier compositeur romantique allemand, mais aussi de témoin de l’effondrement d’un empire qui avait dominé plusieurs siècles de la civilisation occidentale. C’est dire l’importance historique et esthétique de son art… !
Dans un tel contexte, les Quatre derniers Lieder occupent une place particulière dans l’histoire de l’homme et de la musique. Accumulation de toute la tradition germanique, l’art de Richard Strauss a su être unique et original. Son parcours biographique est particulièrement révélateur du personnage.
Corniste de formation, il sent vite l’attrait pour la composition et sa première symphonie est jouée à Munich par Hermann Levi dès 1881. Devenu chef d’orchestre (sans doute l’un des plus grands de la première moitié du XXème siècle !), il compose de nombreux poèmes symphonique pour Berlin, Vienne, Bayreuth et Weimar. Sa réputation s’étend à toute l’Europe. Il épouse en 1894 la cantatrice Pauline de Ahna avec qui il traversera l’existence au rythme des bonheurs et scènes de jalousie légendaires. Sa carrière dans l’opéra sera gigantesque et sa collaboration avec Hugo von Hofmannstahl (le Da Ponte de Strauss) donnera naissance à six grands ouvrages, piliers de l’opéra moderne. Parmi ceux-ci, citons, Elektra, Der Rosenkavalier, Ariadne auf Naxos et Die Frau ohne Schatten.
Pauline Strauss
Restant en Allemagne sous le régime nazi et occupant même le poste de président de la Reichmusikkammer dès 1933, il refusera de rester en poste lors de la déportation de son ami Stefan Zweig. Il se réfugiera en Suisse et esquissera ses dernières œuvres, témoignages d’un monde en pleine disparition (Métamorphoses, Capriccio, Vier letzte Lieder).
On a souvent reproché à Strauss une vie rangée, aisée et bourgeoise. Comme si cette situation tranchait avec l’idée traditionnelle de l’artiste romantique, tourmenté, pauvre et malade, on a beaucoup discrédité sa musique et considéré qu’elle ne véhiculait pas les problèmes existentiels de l’âme humaine. Aujourd’hui, on commence à admettre qu’il n’en est rien. On redécouvre la profondeur de ses opéras et les questions essentielles qu’ils nous posent. On retrouve une profondeur au-delà de la virtuosité des poèmes symphoniques. Enfin, on comprend un processus créateur différent de celui de son contemporain, mort trop tôt, Gustav Mahler.
La villa de Strauss à Garmisch-Partenkirchen
Les Quat
re derniers Lieder font partie des plus belles mélodies avec orchestre jamais composées. Dans sa retraite suisse, Richard Strauss avait mis en musique (1946) un texte du poète Eichendorff, Im Abendrot (Au crépuscule) qui raconte la fin du voyage pour un couple las de traverser l’existence et aspirant au repos. L’aspect biographique de ce choix semble évident. Cet adieu, placé désormais en dernière place dans le cycle de mélodies est particulièrement touchant dans sa douceur et son apaisement ultime. L’orchestre, coloré comme un crépuscule (Strauss a été l’un des plus formidables orchestrateurs de l’histoire avec Ravel !), évoque le sommeil et la mort avec une douceur toute irréelle. La partie chantée, toute éthérée, semble accéder déjà à cet ailleurs tant recherché par les compositeurs de toutes les époques et le postlude, d’une rare émotion, nous transporte dans l’éternité immobile.
Composés un peu plus tard (1948) sur des poèmes d’Hermann Hesse, les trois autres mélodies semblent nous préparer à la dernière, bien que l’ordre du cycle n’ait sans doute pas été envisagé par le compositeur lui-même. La première, Frühling (Printemps), chante le renouveau de la nature et la jeunesse chaque fois retrouvée et aboutit, avec une sensualité forte, à l’extase finale. La voix, typique des grandes héroïnes d’opéra, plane sur les hautes cimes de la tessiture de soprano.
September, le deuxième texte de Hesse, évoque quant à lui l’automne et le cycle finissant. Ce sont toutes les couleurs de la basse saison que l’orchestre et la voix nous accordent. La densité orchestrale et le nombre de thèmes générant des images (feuilles qui tombent, cor annonçant le crépuscule, …) sont unis dans une forte polarité tonale et rythmique.
Comme une berceuse, En s’endormant (Beim Schlafengehen), utilise encore un texte de H. Hesse. Entre les strophes dont le chant semble se déposer sur l’orchestre, un solo de violon vient dispenser son chant berceur et consolateur. On ressent ici un mélange de calme et de nostalgie. L’homme contraint de quitter un monde qui n’est plus le sien jette un dernier regard en arrière avant de s’endormir et de laisser place au couchant de Im Abendrot. L’une des oeuvres les plus touchantes de toute l’histoire de la musique.
Bien que de nombreuses versions discographiques soient disponibles, je reste très attaché à la version avec laquelle j’ai découvert ce cycle de mélodies. Depuis, j’en ai acheté au moins dix versions…que je n’écoute jamais ! J’en reviens toujours à cette interprétation magique de 1966 avec Elisabeth Schwarzkopf, l’Orchestre symphonique de la Radio de Berlin, dirigé par George Szell et réédité chez EMI dans la collection Grands enregistrements du siècle.
Tout ici y est parfait. Le chant de la grande Elisabeth y est d’une rare pureté, dégagé du maniérisme qui la caractérise parfois. Le timbre de sa voix, tour à tour voilé et lumineux, s’adapte à chaque émotion, sa diction allemande est impeccable et parfaitement compréhensible. La direction de Szell est parfaite. Il parvient à créer les climats les plus intemporels en gardant ce chatoiement si particulier à l’orchestration de Strauss. L’orchestre semble le suivre avec émotion et finesse, mettant un point d’honneur à transmettre les émotions ultimes du maître de Garmisch Partenkirchen.
